Era 1975. Marina Abramović, aos 29 anos, estava no começo de sua carreira – apesar de saber desde sempre que queria se tornar artista, vinha de um cenário familiar conturbado. Começava seu legado com uma performance que mais tarde seria considerada a mais arriscada de toda sua trajetória. Com 72 itens dispostos em uma mesa – que iam desde flores a um revólver carregado com balas -, a artista se pôs à mercê do público da Galleria Arte Contemporanea Napoli Campania durante seis horas.
Na performance, o corpo é o meio e o objeto: é uma arte efêmera e imaterial, uma troca potente entre artista e público. A proposta desta, em questão, era clara. Poderiam fazer o que quisessem com o corpo de Marina e os 72 objetos expostos, e ela não oferecia resistência.
Em um experimento que poderia ser claramente tanto artístico quanto antropológico, os espectadores da Galeria enlouqueceram com o poder que tinham em suas mãos. Em pouco tempo de performance, o corpo de Marina Abramović foi movido de um lado para o outro. O crítico de arte Thomas McEvilley, que observava todo o ato, disse que as coisas começaram tímidas, mas depois escalaram rapidamente.
No fim, as roupas de Marina haviam sido cortadas, e ela jazia nua, com cortes de gilete e faca por todo corpo e um revólver carregado e apontado para a própria jugular colocado em suas mãos. Ao término das seis horas de exposição, ela se levantou e todo o público presente correu. As pessoas que flagelaram e acorrentaram seu corpo, acariciaram seus seios e partes íntimas, não tiveram coragem de encará-la.
Não importa quantas fotos e vídeos registrem seus atos, somente o público presente saberá o que é assistir e participar. O corpo é o meio, o corpo é o objeto, o corpo é a arte.
Acredito que grande parte das pessoas poderia considerar, inicialmente, a proposta desta performance absurda, além da artista meramente louca. Há de se portar, de fato, um pouco de loucura para ter a coragem deMarina Abramović. Compreendo a reação inicial, mas endosso que uma performance bem planejada e estruturada tem fins muito além de nossa pré-compreensão. Certeiramente, a artista afirmaria mais tarde que a performance em questão revela algo terrível sobre a humanidade: “mostra quão rápido uma pessoa pode machucar você quando as circunstâncias o permitem. Mostra quão fácil é desumanizar alguém que não luta de volta, que não pode se defender. Mostra que, se providenciada a situação, a maioria das pessoas consideradas ‘normais’ pode se tornar verdadeiramente violenta”. A força dessas constatações é inegável – e esse era apenas o começo da carreira de Marina Abramović.
O legado Abramović
Considerada a “avó da performance“, Marina teve uma infância oprimida no pós-guerra do leste europeu que moldou a mulher criativa que se tornaria, já que, sempre solitária, foi forçada a criar um mundo de distrações para si mesma. Já adulta, seus pais ainda lhe batiam como punição e por vezes queimaram alguns de seus quadros. É curioso pensar que uma mulher tão transgressora e à frente de seu tempo fugiria de casa somente aos 29 anos: em suas palavras, não o fez antes porque simplesmente “nunca havia passado por sua cabeça”.
Parte de uma família muito tradicional de Belgrado, seus progenitores eram heróis de guerra. Pergunto-me o que pensaram quando a filha, já aos 30 anos, foi morar com o namorado em uma van em Amsterdam, sustentando-se somente da arte. Pergunto-me também o que pensaram quando depois se tornou um ícone da história da arte contemporânea.
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Muitos tentaram reproduzir os feitos de Marina Abramović. Rhytmn 0, por exemplo, foi recriado por inúmeros artistas. Outras performances de destaque incluem Breathing In/Breathing Out (1977), realizado com seu companheiro Ulay, onde, ajoelhados e unidos pelas bocas, esvaziavam e enchiam os pulmões com o ar um do outro, levando-os à exaustão e à ingestão extrema de gás carbônico; Rest Energy (1980), também em parceria com Ulay, onde o ex-companheiro apontava uma flecha engatilhada para seu peito enquanto a artista segurava o arco; The Lovers (1989), que simbolizava a separação do casal e envolvia 90 dias de caminhada na Grande Muralha da China. Os dois saíram de extremidades opostas da Muralha para se despedirem em um último encontro no meio do monumento.
A vida da artista é bastante cinematográfica – quem sabe até renda um bom filme no futuro. Provavelmente não estará à sua altura, mas nenhuma película se aproxima realmente da realidade de quem é e era uma personalidade da arte como Marina.
Por não receber amor da família, a artista foi atrás de outras coisas que pudessem lhe fornecer algo semelhante. E encontrou tal sentimento na sua relação com o público – sem ele, sua arte jamais existiria, porque a performance está intrinsecamente ligada aos seus espectadores. O corpo como meio – o corpo como ato efêmero.
Marina, pioneira na popularização da performance, provou ser esta a única forma de arte verdadeiramente desatada de amarras econômicas: apesar de rica em essência, ainda é e sempre será imaterial. Não importa quantas fotos e vídeos registrem seus atos, somente o público presente saberá o que é assistir e participar. O corpo é o meio, o corpo é o objeto, o corpo é a arte. E não podemos pendurá-lo em casa.
